I ragazzi stanno bene di Lisa Cholodenko

Il mondo è cambiato: dobbiamo abituarci a riconsiderare alcuni di quelli che pensavamo essere dei pilastri sociali. Il concetto occidentale di famiglia fondata sul matrimonio e sull’unione tra uomo e donna è diventato obsoleto nella società postmoderna. L’emancipazione omosessuale – più timida nel nostro paese – ha fatto sì che in molte città del mondo civilizzato si consumino apertamente delle durature e legalmente convalidate relazioni omosex. “I ragazzi stanno bene” di Lisa Cholodenko intende dunque focalizzarsi sui sentimenti degli esseri umani e non vuole mandare, come alcuni potrebbero pensare, un messaggio moralistico a favore dei matrimoni gay. La storia in questione è quella di Nic (Annette Bening) e Jules (Julianne Moore), due lesbiche sulla cinquantina, che conducono amorevolmente una vita serena con tanto di figli adolescenti (Joni e Laser) avuti grazie all’inseminazione artificiale. Il padre biologico è lo scapolone Paul (Mark Ruffalo), rintracciato dai ragazzi e piombato inaspettatamente nelle vite di tutti a sconvolgerne la quotidianità e condizionarne le prospettive. Paul ha un forte ascendente su Joni (Mia Wasikowska) e abbastanza successo con Laser (Josh Hutcherson), ma è mal digerito dalla grintosa Nic che è quella che a casa porta i pantaloni e quindi vive il rapporto con l’uomo in maniera ostile paventando un confronto diretto. Jules invece, architetto mancato riciclatasi come progettista di esterni, accoglie con entusiasmo l’offerta che le fa Paul, stuzzicato sessualmente da quella donna sposata e “diversa” con la quale condivide – senza averla mai sfiorata – un figlio. La regista lascia intendere chiaramente che non ci sono differenze nei rapporti sentimentali e nella vita il percorso è comune per tutti. Dà per scontato che nessuno si impressioni vedendo due donne a letto che fanno petting, ma allo stesso tempo con occhi sinceri ci mostra le contraddizioni e i sensi di colpa delle mamme quando cercano di far confessare al figlio (estraneo ai fatti) la propria omosessualità. Condizione questa, che è utilizzata per tracciare le coordinate che permettono di individuare la nuova area gay, nel cui solco s’inserisce la narrazione, in perfetto equilibrio tra retorica lesbo-chic e analisi sociologica, rileggendo in chiave moderna una tematica divenuta fuorviante perché abusata e compassionevole. La famiglia descritta con lucidità – in ventuno giorni di riprese – dalla Cholodenko è come tutte le altre: in continua evoluzione e scandita da luci e ombre nel rapporto di coppia. La scelta di utilizzare due donne “padre” potrebbe apparire come un artificio furbetto per richiamare un pubblico alla moda, invece sostiene strutturalmente il discorso corale sulla vita cui tutti gli eccellenti interpreti prendono parte e che tocca la sua vetta nella sequenza della cena a casa di Paul; momento di massima tensione in cui l’emozione è servita e i nodi vengono (letteralmente) al pettine. Sullo sfondo si muove il personaggio di Mark Ruffalo, sciupafemmine redento e improbabile papà, che decide di virare (con troppa disinvoltura?) dai party pieni di belle ragazze verso un modello di famiglia più tradizionale, abbagliato dall’intensa e agrodolce sensazione di divenire genitore ex abrupto. I due figli condivisi Joni e Laser non si limitano al ruolo di comparsa ma contribuiscono con la crescita dei loro personaggi a raccontare la condizione anomala in cui vivono e la naturale mutazione generazionale, in particolare la timida diciottenne raffigura empaticamente la propria transitoria fase evolutiva. Non ingannino la leggerezza narrativa e la patina divertente perché dietro di essi si celano i grandi temi della vita, come l’amore e quell’incondizionato bisogno della famiglia che ci suggerisce nel finale una Joni smarrita all’arrivo al college; simbolico crocevia in cui tutti colgono un dettaglio prezioso, compreso lo spettatore che in questo bell’esempio di cinema attuale può riflettere sul concetto di nucleo familiare e sull’annosa questione omofobia.

Voto: 7

Il gioiellino di Andrea Molaioli

Il gioiellino in questione è la Parmalat della gestione Tanzi, che alla fine del 2003 implose nel suo castello di sabbia bucato da quattordici miliardi di euro e affondò tra le menzogne che portarono al più grande scandalo finanziario privato che l'Europa ricordi. Il regista Andrea Molaioli (già ammirato con “La ragazza del lago”), insieme agli sceneggiatori Ludovica Rampoldi e Gabriele Romagnoli, tenta di raccontare a carte scoperte lo scandalo che si consuma nel decennio che va dal 1992 ai primi anni 2000 e le ragioni che hanno portato quel management inadeguato a frantumare le norme più elementari in un crescendo grottesco di bilanci truccati, società off-shore, corruzione e connivenza politica (principalmente, con la DC di De Mita). I personaggi principali della vicenda sono noti ma hanno nomi di fantasia: il direttore finanziario è il ragioniere Ernesto Botta (Toni Servillo), il patron è Amanzio Rastelli (Remo Girone), la sua nipotina opportunista è Laura Aliprandi (Sarah Felberbaum), il direttore marketing è Filippo Magnaghi (Lino Guanciale). Rastelli è il classico imprenditore-accentratore, dal fatturato importante ma dalla modesta cultura d’impresa, il self made man cui è sfuggito di mano il bolide in cui siede alla guida, che sembra aver imparato a memoria la teoria sui significati intangibili della marca (“Non vendiamo solo un prodotto ma valori”) ma che calpesta irresponsabilmente ogni più elementare principio etico. La tesi di Molaioli è che dietro gli ingarbugliati e abietti scenari della finanza si nascondano degli uomini dallo spessore professionale inadeguato. Per questo motivo la sua macchina da presa, vagamente sorrentiniana, si sofferma sul ragionier Botta: sui suoi limiti (non ha proseguito gli studi, ha poco dimestichezza con il computer, impara l'inglese ascoltando cassette audio) e sul rapporto con “lo squalo” Laura Aliprandi. Tuttavia, parere di chi scrive, a fare accadere i grandi crac contribuiscono più che altro la disonestà, il cinismo e l'avidità degli uomini. Sarebbe stata più appassionante e pertinente un'analisi in questo senso. In linea generale, manca un approfondimento psicologico circa le motivazioni del proprietario e dei dirigenti Leda (nome di fantasia, acronimo di “latte e derivati alimentari”), su quelle vite sbiadite, sulla loro brama di gloria, sui paradossi della gestione. Lo svolgimento degli eventi in molti punti appare meccanico e si ferma alla cronaca dei fatti priva di una visione più intima e un'indagine più approfondita sulle relazioni che intercorrono tra tutti i personaggi. C'è la ricostruzione personale, ma manca un'elaborazione avvincente. Il valore aggiunto è il sempre bravissimo Toni Servillo, che tuttavia (per colpe non sue) si sta chiudendo in una sorta di stereotipo sulla scia di Titta Di Girolamo de “Le conseguenze dell'amore”; gli ultimi tre film (“Gorbaciof” e “Una vita tranquilla”, oltre a questo) che vedono come protagonista l'attore di Afragola mostrano lo stesso uomo introverso, solitario, sfuggente e restio a emozionarsi. Molto convincente il rifacimento dell'azienda dal punto di vista marketing e comunicazione (Leda ha un logo, una linea di prodotti, pubblicità e sponsorizzazioni sportive che si evolvono durante la pellicola), e affascinanti le riprese negli stabilimenti di produzione. Quest’attenzione al dettaglio – per niente scontata – ha fornito un grande contributo in termini di “attualizzazione” e attrazione verso uno spettatore che a conti fatti può dirsi parzialmente (scremato e) soddisfatto.

Voto: 6,5

Another Year di Mike Leigh

I requisiti per assaporare appieno il cinema proposto da Mike Leigh in “Another Year” sono almeno due. Primo: bisogna avere pazienza, per apprezzare la lenta tessitura del dialogo e tentare di immergersi nella coscienza dei personaggi. Secondo: entrare in sala – se non allegri – sorridenti, poiché si prospettano due ore malinconiche e disincantate in tutto il loro amaro realismo. Durante il corso delle quattro stagioni, la vita scorre per una coppia felice di sessantenni londinesi (il geologo Tom e la psicologa Gerri) che coltiva amorevolmente l’orto e si prende cura di un’amica (Mary) un po’ schizofrenica perché non riesce a scrollarsi di dosso la sua solitudine. Un obiettivo che potrebbe rigenerarla è Joe, il figlio trentenne dei coniugi, a sua volta desideroso di trovare una compagna con cui costruire una famiglia. In estate arriva in città per il weekend anche Ken, un compagno di infanzia di Tom, alle prese anch’egli con una situazione desolante, che ripercorre masticando grossolanamente cibo e alzando il gomito dentro una t-shirt con una stampa che è tutta un programma: “Less thinking…more drinking”. Entreranno anche in campo una gradita aspirante nuora e il mesto Ronnie, chiuso in un silenzio devastante a causa della perdita della moglie. L’apprezzato regista inglese, già Leone d’oro con “Il segreto di Vera Drake”, mette in scena con la consueta disarmante semplicità una storia intima, sviluppata attraverso le intense e lunghe conversazioni che intercorrono tra gli amabili ed eccellenti interpreti. Le loro personalità sono lavorate chirurgicamente, i loro desideri e rimpianti bucano lo schermo, la quotidianità dell’esistenza è condivisa con lo spettatore come in una grande, universale lezione di antropologia sociale. Laddove, forse, Leigh non è altrettanto impeccabile, è nella decisione di focalizzarsi sull’infelice persona di Mary, rubando inquadrature, parole e sentimenti agli altri attori. Una smagliatura, si potrebbe definire, perché “Another Year” è un insegnamento emozionante, un vademecum contemporaneo per capire meglio cosa significano la famiglia, l’amicizia, l’amore e la morte nel mondo che stiamo vivendo.

Voto: 8

Il truffacuori di Pascal Chaumeil

Nomen omen. Si potrebbe pensare che quella legata ai titoli sia una faccenda di luoghi comuni, ma “Il truffacuori” conferma la tesi del “nome profetico” e condensa nella sua denominazione obbrobriosa tutta l’essenza del film. La storia in questione parla di un sabotatore di coppie professionista chiamato Alex Lippi (Romain Duris) che è ingaggiato da un padre intenzionato a evitare il matrimonio di sua figlia (Juliette, interpretata da Vanessa Paradis) con l’innamorato, affascinante, intelligente e facoltoso uomo d’affari inglese Jonathan (Andrew Lincoln). La ragione è tanto semplice quanto insensata: con lui si annoierebbe a morte. Alex, una specie di agente segreto con i dardi di Cupido al contrario, è carismatico, seducente, scattante e un maestro dell’inganno; con i suoi soci Mélanie (Julie Ferrier) e Marc (François Damiens) tenta di consapevolizzare le donne infelici circa la possibilità di avere un compagno “migliore”. Nel caso della bella (?) e altezzosa Juliette, quindi, bisognerà fare un’eccezione deontologica (motivo: difficoltà finanziarie) poiché la trentenne enologa tra dieci giorni sposerà l’uomo della sua vita. Ecco dunque cominciare la missione sotto falsa identità di guardia del corpo e mettere in piedi la consueta farsa costruita sfruttando il talento camaleontico della spassosa Mélanie e le nozioni tecniche informatiche del buffo Marc, oltre alla già citata abilità menzognera di Alex che – conoscendo le passioni della vittima – la inebria a colpi di Roquefort a colazione, canzoni di George Michael e dvd di “Dirty Dancing”. Il regista Pascal Chaumeil, con buona esperienza televisiva ma all’esordio cinematografico, realizza una commedia sentimentale con inserti d’azione e altri umoristici ispirandosi a grandi successi hollywoodiani come “Accadde una notte”; ma il risultato non è del tutto convincente perché l’intreccio narrativo che sostiene la pellicola è fragile, il susseguirsi degli eventi principali è prevedibile, c’è qualche gag demenziale di troppo e alcuni aspetti sono un po’ lasciati al caso (il misterioso segreto della protagonista femminile, l’ostinazione del padre alla rottura con Jonathan) oltre al fatto che si possono notare peccati veniali sparsi che denotano una scarsa cura dei particolari (la borsa Hermès onnipresente, l’ammaccatura sulla portiera posteriore della Mercedes di servizio). Ciò nonostante, “Il truffacuori” possiede certamente delle qualità: diverse sequenze sono divertenti e il trio capitanato dall’ottimo Romain Duris è in stato di grazia e ben amalgamato nei loro tratti distintivi, aggiungendo un buon ritmo ai dialoghi e qualche lampo in un racconto comunque piuttosto inconsistente. Una genuina, colorata e frizzante soluzione per impegnare due ore spensierate con gli amici; meno adatta per quella fascia di cinefili che in sala prediligono la mente al (truffa)cuore.

Voto: 5,5

127 Ore di Danny Boyle

Succede che i casi e la natura spingano un uomo in territori inimmaginabili, costringendolo a meditare sulla vita e accostarsi alla morte in una situazione tra il paradossale e l’agghiacciante: rimanere bloccati più di cinque giorni in uno sperduto crepaccio del paradisiaco Canyonlands National Park nello Utah con una grossa roccia a immobilizzare, schiacciandoli senza scampo, mano e parte dell’avambraccio. Ѐ l’orribile storia capitata realmente a uno spericolato e solitario ventottenne americano di nome Aron Ralston (James Franco), che un fine settimana del 2003 si avventurò nella natura selvaggia alla volta del Blue John Canyon e vi restò – suo malgrado – centoventisette ore, con scarse risorse nutrizionali, obbligato ad andare oltre ogni umano limite per sopravvivere. Quest’avvenimento, da cui è tratto il libro “Between a Rock and a Hard Place”, ha colpito la sensibilità e la fantasia dell’inglese Danny Boyle, regista poliedrico e bravo a (ri)innovarsi come pochi, già arrivato al successo con “Trainspotting” e celebrato con gli otto Oscar di “The Millionaire”. Purtroppo per il malcapitato protagonista, “127 Ore” non è la fiaba milionaria di Jamal e, al contrario di Mumbai, lo scenario desertico del Canyon costruisce un silenzio ascetico, interrotto solo dalla musica diegetica delle cuffie e dall’incontro con due giovani turiste. In un simile paesaggio incontaminato e lontano dalla giungla d’asfalto della città, Aron è felice e si diverte un mondo anche quando si ribalta malamente con la sua mountain bike; allora ci si mette di traverso il fato e durante un trekking solitario tra le rocce dorate accade il grottesco incidente accennato in precedenza. Ѐ l’inizio dell’angosciante weekend di sofferenza per il ragazzo, intrappolato con lo zaino – fortunatamente – in spalla all’interno di una crepa larga novanta centimetri a fare lentamente i conti con la morte e a meditare sulla sua esistenza aiutato da una videocamera; episodio, autentico, che permette al protagonista di svelarsi e instaurare un dialogo con lo spettatore tramite i messaggi-testamento che lascia ai propri cari. Un aspetto assai interessante, che farà indignare gli integralisti della tensione drammatica nuda e cruda, ma che invece rappresenta con ogni probabilità una soluzione indovinata è quella di ricorrere, integrandola con i pensieri di Ralston, alla tecnica dello jump cut che consente di raccontare metaforicamente e in modo energico delle soporifere situazioni, permettendo di interrompere la staticità (forzata) dell’azione con inaspettate e beffarde arguzie. Ironia che, appunto, bilancia le mostruose atrocità di cui si è testimoni e crea due universi paralleli: uno tragico e l’altro farsesco; una contrapposizione organizzata, testimoniata anche dal singolare utilizzo di due direttori della fotografia (Anthony Dod Mantle ed Enrique Chediak) a sdoppiare e differenziare l’effetto visivo in base alle esigenze semantiche del regista. Nel perverso e frastornante gioco del destino, Aron le tenta tutte per sopravvivere e non perdere la lucidità dopo tante ore di disperata inerzia; l’unico appiglio con cui evitare la paura e la disperazione è abbracciare con piena coscienza il valore della vita. Peccato per qualche intrusione di troppo della (bella) colonna sonora che non è risparmiata neanche nella scena clou (inguardabile, da quanto è cruenta) e per quel finale troppo consolatorio che rischiano di penalizzare una pellicola affascinante, impreziosita dalla straordinaria performance di James Franco che si cala perfettamente nella parte turbando lo spettatore e costringendolo a sentire la polvere di quel dannato crepaccio.

Voto: 7

La versione di Barney di Richard J. Lewis

Quando si guarda un film tratto da un romanzo famoso, s’innesca spontaneamente una (terribile) questione: il libro è migliore o peggiore? Probabilmente è più facile ottenere un grande risultato da un racconto medio (Kubrick con “ The Shining”) piuttosto che il contrario (l’adattamento di “American Psycho”); però, dopo tutto, letteratura e cinema esprimono linguaggi distinti, quindi il pensiero di chi scrive è che i puristi della trasposizione dovrebbero limitare i raffronti se intendono godersi genuinamente Barney Panofsky tradotto in immagini. Il testo cui si allude è il celebre best-seller dello scrittore canadese Mordecai Richler, che – poco prima di venire a mancare – iniziò il progetto cinematografico alla fine degli anni 90 con l’attuale produttore Robert Lantos (già sponsor di Cronenberg ed Egoyan, che compaiono in un cameo, ndr), pervicacemente impegnato da allora a trovare una penna che potesse tramandare dignitosamente la parola dell’autore. Individuato un giovane e sconosciuto sceneggiatore (Michael Konyves) e affidata la macchina da presa a Richard J. Lewis (nove stagioni di “CSI” e poco altro) il travaglio è terminato per la gioia di tutti (compreso il nostro Domenico Procacci, co-produttore della pellicola). Barney (Paul Giamatti), acciaccato settantenne, decide di raccontarsi la storia della propria vita per fare chiarezza sulla morte del migliore amico Boogie (Scott Speedman), di cui rimane il sospettato maggiore anche perché è tallonato e perseguitato ossessivamente dall’agente O’Hearne (Mark Addy) che pubblica addirittura un libro sull’argomento. Evidentemente, la vicenda di Boogie è solo un espediente narrativo per permettere di scoprire l’essenza del protagonista e la movimentata esistenza di un uomo istintivo, spiritoso, pratico e insolente come pochi, che proveniente da un quartiere-ghetto riesce ad affermarsi con tenacia in puro stile self made man. L’anziano Panofsky apre faticosamente e in modo disordinato i cassetti della memoria rivivendo – sulle note di un’emozionante colonna sonora – il periodo di soggiorno a Roma (nella stesura originale era Parigi, ndr) dove frequenta un gruppo di artisti tra i quali la prima inaffidabile moglie Clara (Rachelle Lefevre), il secondo matrimonio al ritorno a Montreal con la viziata “Mrs. P” (Minnie Driver), il successo con la bizzarra compagnia televisiva “Totally Unnecessary Productions”, il rapporto con il “saggio” padre Izzy (uno spassoso Dustin Hoffman) e la terza indimenticabile unione d’amore con l’incantevole Miriam (Rosamund Pike). Ed è su quest’ultimo aspetto che il racconto si sofferma, svelando Barney attraverso un montaggio ellittico con le sue peculiarità e idiosincrasie, la sfacciataggine e il cinismo ma anche l’assertività, la devozione e la gentilezza che manifesta per l’ultima moglie; la cui centralità narrativa è tuttavia eccessiva considerato anche che il cast tecnico aveva a disposizione un materiale di partenza che offriva svariati spunti, come ad esempio i vuoti di memoria del protagonista che potevano essere “valorizzati” in maniera più brillante. Inoltre, la sfrontatezza, l’estro e lo sprezzo che ammiriamo ad esempio nella sfiziosa sequenza del secondo matrimonio, cedono il passo nella parte finale a un surplus di sentimentalismo che in qualche modo intacca il ritmo e la personalità carismatica del personaggio principale; ma che forse ci spiega anche, amaramente, che nonostante una vita assai vivace e appagante Barney è un uomo qualunque, con le debolezze e le paure di tutti. Certamente la prova notevole di Paul Giamatti e l’eclettismo di Hoffman rappresentano un valore aggiunto importante e quando i due s’incrociano lo spettacolo è assicurato; non a caso, il pregio maggiore del film è la capacità di divertire, grazie a dei dialoghi pungenti e scoppiettanti che rendono per lunghi tratti coinvolgente la visione. In definitiva, quello partorito da Lantos è un lavoro onesto, che tenta di raccontare senza fronzoli la storia turbolenta e intensa, caratterizzata da picchi e discese, criticabile e rispettabile di un uomo insolito; e in questo la pellicola è molto fedele a se stessa, poiché alterna luci e ombre ma riesce a confermarsi una buona “versione” delle tante possibili.

Voto: 6,5

I migliori film del 2010

1. Il profeta (Jacques Audiard) 9
2. Potiche - La bella statuina (François Ozon) 8
3. Il segreto dei suoi occhi (Juan José Campanella) 8
4. Il tempo che ci rimane (Elia Suleiman) 8
5. Toy Story 3 - La grande fuga (Lee Unkrich) 8
6. L'uomo nell'ombra (Roman Polanski) 7,5
7. L'uomo che verrà (Giorgio Diritti) 7,5
8. Post Mortem (Pablo Larrain) 7,5
9. Le quattro volte (Michelangelo Frammartino) 7,5
10. The Social Network (David Fincher) 7,5

11. La bocca del lupo (Pietro Marcello) 7,5
12. L'illusionista (Sylvain Chomet) 7,5
13. Quella sera dorata (James Ivory) 7,5
14. L'esplosivo piano di Bazil (Jean-Pierre Jeunet) 7,5
15. Fantastic Mr. Fox (Wes Anderson) 7,5
16. Gli amori folli (Alain Resnais) 7,5
17. Somewhere (Sofia Coppola) 7
18. Shutter Island (Martin Scorsese) 7
19. Draquila - L'italia che trema (Sabina Guzzanti) 7
20. I gatti persiani (Bahman Ghobadi) 7

Inediti
1. Cold Fish (Sion Sono)
2. Road to Nowhere (Monte Hellman)
3. Tamara Drewe (Stephen Frears)
4. Balada triste de trompeta (Alex de la Iglesia)
5. Meek's Cutoff (Kelly Reichardt)